Filippo Brunelleschi
Fue el arquitecto más importante del siglo XV en
Italia y verdadero emblema del nacimiento de la arquitectura renacentista. Fue
un artista muy prolífico que desarrolló su trabajo en Florencia. En el
plano de la arquitectura, Brunelleschi investigó los viejos edificios del
clasicismo romano levantando planos, plantas y alzados, obsesionado por
representar la arquitectura tridimensionalmente.
Su mayor gloria es que, ya en la primera mitad del siglo XV, dejará
sentadas las características esenciales de la arquitectura humanista del
Renacimiento italiano.
Cúpula de la Catedral
de Florencia o Santa María de las Flores.
Es
su obra más famosa. Esta enorme cúpula no sólo destaca sobre el conjunto de la
iglesia sino que es una referencia visual en toda la ciudad de Florencia.
La
catedral de Florencia es gótica y fue realizada por Arnolfo di Cambio, pero
estaba sin concluir pues se encontraba sin abovedar el crucero.
Por la altura del
edificio, la cúpula que cubriera dicho crucero no podía ser totalmente
semiesférica por posibles problemas en el sistema de empujes y contrarrestos.
La solución que llevó a cabo Brunelleschi fue una cúpula en forma de curva
parabólica, que en realidad está formada por dos: una inferior, y otra
exterior, de ladrillo y dividida en tramos a modo de gajos.
La distancia entre
ambas cúpulas se mantiene siempre constante. Por su casquete alargado recuerda
al gótico. Está construida sobre un tambor poligonal (octógono) decorado con
mármoles. En cada uno de los lados se abren ventanas circulares.
Donato
di Angello di Pascucci
Conocido como Bramante
(Urbino 1444 - Roma 1514) fue un arquitecto italiano que introdujo el estilo
del primer Renacimiento en Milán y el alto Renacimiento en Roma, donde su obra
más famosa fue el planeamiento de la Basílica de San Pedro. Tuvo una formación
quattrocentista, pero su plenitud artística la alcanzó en el siglo XVI. Su
arquitectura está caracterizada por la severidad y el uso de planta central
cubierta por cúpula.
Bramante nació en Monte
Asdrulano, cerca de Urbino: su arquitectura ha eclipsado sus habilidades como
pintor, conoció a los pintores Melozzo da Forlè y Piero della Francesca,
quienes estaban interesados en la regla de la perspectiva y las características
ilusionistas de la pintura de Mantenga.
Basílica
de San Pedro (CÚPULA)
La Basílica de San Pedro, es el principal edificio del Vaticano, estado soberano dentro de Roma,
se encuentra en la orilla derecha del río Tíber. Es el más importante edificio
religioso del catolicismo, tanto en términos de volumen (193 m de longitud y
44,5 m de altura) como de renombre. Es la segunda mayor basílica del mundo.
No es la catedral de la diócesis de Roma, pero sí
la iglesia del Papa, en la cual celebra las ceremonias litúrgicas más
importantes. En su interior se halla la Cathedra Petri, o «Trono de San Pedro». La auténtica catedral de Roma es la archibasílica de San
Juan de Letrán.
En la basílica está efectivamente enterrado San Pedro, el primer Papa, según las investigaciones realizadas por la arqueóloga y epigrafista Margherita Guarducci en 1965.
Andrea
di Pietro
Universalmente conocido
como Palladio, vino al mundo en la ciudad italiana de Padua un 30 de noviembre
de 1508. De familia humilde; apenas con 13 años ingresaría como aprendiz en un
taller de cantería de la ciudad, donde iniciaría su formación hasta que, en 1523,
su familia se instaló en la no lejana Vicenza, en cuyo gremio de constructores
se inscribió Andrea mientras completó su formación de juventud al amparo de los
talleres de Giovanni di Giacomo da Porlezza y de Girolamo Pitteli.
Fue precisamente a
través de su nuevo mentor Daniele Barbaro como Palladio fue poco a poco
introduciéndose en los círculos humanistas y culturales de la esplendorosa
Venecia, donde gracias a los méritos que cosechó proyectando principalmente
edificios religiosos, llegó a ser nombrado arquitecto mayor de la República
Véneta en sustitución de Jacopo Sansovino, cargó que hasta su muerte en 1580,
compaginaría con distintos proyectos tanto públicos como privados siempre en la
norteña región del Véneto.
Las
villas palladianas
Son un conjunto de
villas localizadas en la región del Véneto (Italia), concentradas en su mayor
parte en la provincia de Vicenza, edificadas en torno a la mitad del siglo XVI
por el arquitecto Andrea Palladio para las familias más importantes del lugar,
en general aristócratas pero también algunos miembros de la alta burguesía.
Junto a la ciudad de
Vicenza 24 villas palladianas del Véneto han sido incluidas, entre el año 1994
y el 1996, en la lista de Patrimonio de la Humanidad de la Unesco.
Las villas palladianas
se distinguen de las villas romanas y de las villas mediceas toscanas: no se
destinaban sólo al ocio de sus propietarios, sino que eran también centros de
producción. Normalmente estaban rodeadas de grandes extensiones de campos y
viñedos, e incluían almacenes, establos y depósitos para el trabajo del campo.
Rafael
Sancio
Pintor renacentista
italiano considerado como uno de los más grandes e influyentes artistas de
todos los tiempos.
Su nombre completo era
Rafael Sanzio de Urbino. Nació en Urbino y su primera formación la adquirió de
su padre, el pintor Giovanni Santi.
Según la opinión de
muchos historiadores del arte, también estudió con Timoteo Viti en Urbino y
realizó bajo su influencia numerosas miniaturas, dentro de una atmósfera
delicada y poética, como en Apolo y Marsias (Museo del Louvre, París) y El
sueño del caballero (1501, National Gallery, Londres).
Se le nombra Maestro
Mayor de la Basílica de San Pedro en 1514, y un año después se le pone al
frente de la dirección de todas las excavaciones arqueológicas en Roma y
alrededores. Debido a sus numerosas actividades, sólo consiguió pintar parte de
la tercera estancia del Palacio del Vaticano, la del Incendio del Borgo
(1514-1517). El resto es obra de sus ayudantes. Rafael murió en
1520 en Roma, cuando sólo contaba 37 años.
Villa
Madama
Vista parcial del
jardín de Villa Madama y de la loggia de Rafael. Para proteger los frescos, a
principios del siglo XX el arquitecto resturador Marcello Piacentini cerró los
arcos con el acristalamiento actual.
La villa Madama es un
palacio de recreo (con sus correspondientes jardines) situado en el monte Mario
de Roma. Fue mandado construir por el cardenal Giulio de' Medici (futuro papa
Clemente VII) y diseñado por Rafael Sanzio en 1519. La muerte de este y los
avatares políticos posteriores (especialmente el saco de Roma de 1527)
motivaron numerosos cambios en el plan inicial.
MASACCIO
Tommaso di ser Giovanni
di Mone Cassai conocido como Masaccio (San Giovanni Valdarno, Arezzo 21
diciembre 1401-Roma 1427/8?). Es la gran figura de la pintura renacentista
italiana del Quattrocento, al mismo nivel que Brunelleschi en la arquitectura o
Donatello en la escultura. Se considera por ello que es el auténtico creador de
la pintura renacentista.
Su vida estuvo envuelta
en el misterio al igual que su temprana y misteriosa muerte que muchos achacan
a un envenenamiento.
Hijo de ebanista, de
ahí su apellido (cassai), aprendió en el taller de Bicci di Lorenzo o quizás
con Massolino de Manicare, pintor que estuvo de moda en el siglo XIV, con el
que colabora en la Capilla Brancacci y al que pronto aventajará.
Las innovaciones de
Masaccio no eran técnicas, en su trabajo sobre tabla utiliza materiales y
métodos tradicionales, al igual que en sus pinturas al fresco. Se inspira en
los ideales de Giotto, también en su interés por los antiguos frescos romanos
así como en los recientes experimentos de sus amigos: el arquitecto-escultor
Brunelleschi y el escultor Donatello, se basó sobre todo en la observación de
la naturaleza. Su estudio de la perspectiva se alió a un análisis igualmente
profundo de la luz.
Se trata así del primer
pintor que estudia con profundidad el cuerpo humano y la naturaleza desde el
clasicismo greco-romano. Busca dar vida a los seres vivos que representa.
Aplica las leyes de las matemáticas para componer sus obras, gracias a lo cual
consigue un notable avance en el estudio de la perspectiva y en las
representaciones arquitectónicas para las que se basa en edificios reales. En
este aspecto se dice que aplica las teorías matemáticas que Brunelleschi, lo
que tiene como resultado el carácter escultórico de sus figuras.
“Frescos
de la Capilla Brancacci” (1424-1428, pintura al fresco,
Iglesia de Santa Maria del Carmine, Florencia). Realizados junto a Masolino. La
Capilla Brancacci esta en el brazo sur del crucero de la iglesia del Carmine en
Florencia, construida en 1386 por voluntad de Pietro Brancacci. Uno de sus
descendientes, Felice di Michele Brancacci, encargó la pintura de esta capilla
en su testamento en 1422. Se supone que el trabajo en los frescos se inició en
1424, Masaccio y Masolino trabajaron juntos, lo que se prolongó hasta 1427 o
1428 fecha en que Masaccio se trasladó a Roma dejando los frescos inacabados.
El conjunto lo completó Filippino Lippi entre 1481 y 1485.
Tentación
de Adán y Eva : En esta escena Masolino hace uso de la
iconografía más popular y tradicional de la época, y las dos figuras, tanto en
sus gestos como en sus expresiones, son corteses y elegantes: un estado de
ánimo que siempre se ha contrastado con el ambiente en el que se desarrolla el
fresco de Masaccio de la expulsión del Paraíso, en el lado opuesto pared de la
capilla, interpretado como el poderoso manifiesto de una nueva visión cultural
y artística, de gran armonía espiritual y capacidad técnica.
PAOLO
UCCELLO (Florencia 1397-Florencia 1475) es un pintor
florentino cuya obra intentó conciliar dos estilos artísticos distintos: la
esencia decorativa de estilo gótico tardío y el nuevo estilo heroico de
principios del Renacimiento. Su apodo Uccello procede de su querencia por
pintar pájaros. Era hijo de Dono Di Paolo, barbero y cirujano de Pratovecchio,
cerca de Arezzo, que adquirió la ciudadanía florentina desde el 1373; el nombre
de su madre era Antonia di Giovanni del Beccuto. Con 10 años
(1407) ya era aprendiz en el taller del escultor Lorenzo Ghiberti, que estaba
entonces trabajando en las puertas de bronce para el Baptisterio de la catedral
de Florencia. En 1414 Ucello se unió a la cofradía de pintores (Compagnia di
San Luca), y el año siguiente se convirtió en un miembro más del Arte dei
Medici e degli Speziali, el gremio oficial de pintores florentinos. Se debió
establecer entonces como pintor independiente, aunque no hay ninguna indicación
clara de su primera formación como pintor, pero se sabe que mantuvo una gran
amistad con Donatello. Paolo Uccello durante mucho tiempo fue
considerado uno de los grandes artistas del Renacimiento, principalmente por su
papel en el establecimiento de nuevas formas de representación de la
perspectiva, lo que se convirtió en un componente importante del estilo
renacentista.
Frescos
de la Catedral de Prato (1435). Alrededor de 1435
Paolo Uccello comenzó a trabajar en las historias de la vida de la Virgen y de
San Esteban en la Capilla de Nuestra Señora de la Asunción en la Catedral de
Prato. Pintó las escenas de la Disputa de San Esteban, el Nacimiento de la
Virgen y su presentación en el templo, así como la Lapidación de San Esteban,
que fue completada por Andrea di Giusto junto con otras escenas en la zona
inferior como el Hallazgo del Cuerpo de San Esteban y los Desposorios de la
Virgen.
FRA
ANGÉLICO (Vicchio nell Mugello cerca de 1400- Roma 1455).
Beato Angélico o Fray
Juan de Fiésole. Beatificado por Juan Pablo II en 1984. Giorgio Vasari dice de
él que "nunca levantó el pincel sin decir una oración ni pintó el
crucifijo sin que las lágrimas resbalaran por sus mejillas", parece que
fue el propio Vasari quien le dio el nombre de “Angélico” aunque al parecer ya
se le denominaba así en 1469 pocos años después de su muerte. El hecho de ser
fraile y artista le dotan de un carácter personal y original que le diferencian
del resto de pintores renacentistas. Es un hombre profundamente religioso y de
elevada espiritualidad y esto quedará reflejado en su obra.
Su carrera se
desarrolla en Florencia donde trabaja para franciscanos y dominicos, así como
para los Medici, pero también acude a Roma, donde trabaja para el Vaticano.
Inicia el Renacimiento
en la Pintura al dar gran peso a la ambientación y a un modelo de paisaje
naturalista. La anatomía estudiada a través de los ropajes y el volumen cobra
importancia, así como el estudio de la perspectiva lineal.
Las composiciones son
cerradas, en ocasiones parecen inscritas en formas circulares u ovoides. Las
ambientaciones muestran una arquitectura plenamente renacentista.
“Madonna
de la Humildad” (Témpera sobre tabla, 1419, Museo
Nazionale di San Matteo, Pisa, Italia). De nuevo repite el tema muy apreciado
en la época por encargo de la familia florentina de los Giugni, lo que nos
indica que el pintor empezaba a ser muy considerado entre la sociedad
florentina. Se trata de un panel perteneciente a un retablo mayor que fue
desmembrado.
Alessandro
di Moriano di Vanni Filipepi
Sandro Botticelli
(1445, Florencia, 1510, Florencia). Se cree que podría haber heredado el nombre
de Botticelli por su hermano mayor, un batidor de oro apodado “botticello”, que
fue el encargado de educarlo. Pintor italiano considerado uno de los genios más
sobresalientes de la historia del arte occidental. Comenzó su carrera pictórica
bajo las órdenes de Filippo Lippi y al parecer trabajó durante un tiempo con
Leonardo en el taller de Il Verrocchio. Recibió también la influencia de Piero
Pollaiuolo cuando hacia 1470 pintó junto a él el grupo de Las Virtudes (Museo
degli Uffizi), siendo la representación de la Fortaleza la realizada por Sandro
Botticelli.
Su comprensión de la
perspectiva y el escorzo, del diseño arquitectónico y de la anatomía, era todo
lo que se podía esperar de un hombre que había recibido semejantes influencias,
pero al tiempo que poseía un ansia enorme de aprendizaje, destacó por su
sensibilidad y su talento poético. No se puede despreciar su habilidad para
manipular los efectos visuales con fines artísticos. Utilizaba el color de
forma extraordinaria, a veces delicado, a veces extremo, pero la esencia de su
arte reside en la manera en la que empleaba la línea, era un magnífico
dibujante.
“Regreso
de Judith a Betulia” (óleo sobre tabla, 1472, Galleria degli
Uffizi, Florencia). Probablemente se trata de un encargo junto con la
representación del descubrimiento del asesinato de Holofernes; ambas obras
están documentadas a finales del siglo XVI en la colección de los Medici, como
un regalo recibido por Bianca Cappello, la segunda esposa del Gran Duque
Francisco I. Sabemos por inventarios contemporáneos que las pinturas de
pequeñas dimensiones como estas se guardaban como objetos preciosos en arcones
o fundas de cuero, para ser admirados y mostrados a los amigos en ocasiones
especiales. La delicadeza de la miniatura y la ejecución detallada, concebidas
para ser admiradas de cerca, nos lleva a la conclusión de que estos pequeños
paneles estaban destinados a tal propósito.
Andrea
Mantegna
Nació en Isola di
Carturo en 1431 y falleció en Mantua en 1506. Es uno de los pintores más reconocidos
de su época. Maestro de la perspectiva, los escorzos y los paisajes, fue uno de
los artistas qué más contribuyó al desarrollo de la técnica pictórica en el
Quatroccento italiano.Nacido probablemente en Isola di Carturo, entre Vicenza y
Padua, en un hogar humilde, quedó huérfano siendo muy niño y a los 10 años se
convirtió en aprendiz del pintor Francesco Squarcione, que trabajaba en Padua,
y quien también lo adoptó como hijo. Con él Mantegna desarrolló un apasionado
interés por la antigüedad clásica, sobre todo por la escultura, que junto con
la influencia de Donatello se plasmará en su estudio del cuerpo humano en la
pintura a la que da carácter escultórico, es decir parecen más talladas que
pintadas. Sus figuras destacan por su solidez, expresividad y corrección
anatómica, aunque algunas veces pecan por su hieratismo y rigidez.
Fue maestro en la
utilización del color, la luz y el dibujo, todos ellos al servicio del estudio
del volumen de las figuras y de técnicas como la de las veladuras; trata de
aplicar a cada objeto su color adecuado. También la perspectiva es foco de su
interés, y utiliza paisaje y arquitectura para su estudio.
Frescos
de la Capilla Ovetari
La primera obra de
cierta ambición que le fue encomendada en Padua al jovencísimo Andrea fue la
decoración al fresco de los muros de la Capella degli Ovetari, en la Iglesia de
los Ermitaños.
Los trabajos se
prolongarían unos nueve años (1448.1457) divididos en dos fases debido a un
lapso intermedio de tiempo en que Mantegna, por una serie de discrepancias con
los comitentes, abandono el proyecto para poco después retomarlo, Lamentablemente,
parte del conjunto fue destruido por los bombardeos que sufrió la ciudad de
Padua durante la Segunda Guerra Mundial, conservándose tan sólo una parte del
ciclo de frescos cuya temática principal era la vida de los santos Santiago
(muro sur) y Cristóbal (muro norte), con la escena de la Asunción de la Virgen
en la pared central presidiendo la composición.
(Vinci, Toscana, 1452 -
Amboise, Turena, 1519) Artista, pensador e investigador italiano que, por su
insaciable curiosidad y su genio polifacético, representa el modelo más acabado
del sabio renacentista.
Leonardo da Vinci era
hijo ilegítimo de un abogado florentino, quien no le permitió conocer a su
madre, una modesta campesina. Se formó como artista en Florencia, en el taller
de Andrea del Verrocchio; pero gran parte de su carrera se desarrolló en otras
ciudades italianas como Milán (en donde permaneció entre 1489 y 1499 bajo el
mecenazgo del duque Ludovico Sforza, llamado el Moro) o Roma (en donde trabajó
para Julio de Médicis). Aunque practicó las tres artes plásticas, no se ha
conservado ninguna escultura suya y parece que ninguno de los edificios que diseñó
llegó a construirse, por lo que de su obra como escultor y arquitecto sólo
quedan indicios en sus notas y bocetos personales.
Es, por tanto, la obra
pictórica de Leonardo da Vinci la que le ha hecho destacar como un personaje
cumbre en la historia del arte. De la veintena de cuadros suyos conservados,
destacan La Anunciación, La Virgen de las Rocas, La Santa Cena, La Virgen y
Santa Ana, La Adoración de los Magos y el Retrato de Ginebra Benzi. El más
célebre es sin duda La Mona Lisa o La Gioconda, retrato que tuvo al parecer
como modelo a Mona (abreviatura de Madonna) Lisa Gherardini, esposa de
Francisco Giocondo.
Todas sus obras son
composiciones muy estudiadas, basadas en la perfección del dibujo y con un
cierto halo de misterio, en las que la gradación del color contribuye a
completar el efecto de la perspectiva; en ellas introdujo la técnica del sfumato,
que consistía en prescindir de los contornos nítidos de la pintura del
«Quattrocento» y difuminar los perfiles envolviendo las figuras en una especie
de neblina característica. El propio Leonardo teorizó su concepción del arte
pictórico como «imitación de la naturaleza» en un Tratado de pintura que sólo
sería publicado en el siglo XVII.
La
Monalisa
En 1503, al regresar a
Florencia, Leonardo da Vinci pintó el que sería su cuadro más célebre y una de
las obras maestras del arte universal. La Gioconda (alegre), más bien conocida
como "La Mona Lisa", es un cuadro pintado por Leonardo Da Vinci,
entre los años 1503-1506, en un cuadro de óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53
cm de ancho (un cuadro pequeño a diferencia de otros famosos).
La importancia del
cuadro
Después de la muerte de
Leonardo, el rey Francisco I reclamo el cuadro de la Gioconda y desde ese
momento fue de Francia y hasta hoy en día le sigue perteneciendo a Francia el
famoso cuadro, está en exhibicionismo en el museo del Louvre de París. Fue
nombrado como patrimonio artístico de la humanidad y protegido por las
autoridades políticas y culturales de Francia.
Miguel
Ángel
(Miguel Ángel
Buonarroti, en italiano Michelangelo; Caprese, actual Italia, 1475 - Roma,
1564) Escultor, pintor y arquitecto italiano. Habitualmente se reconoce a
Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento italiano, un hombre cuya
excepcional personalidad artística dominó el panorama creativo del siglo XVI y
cuya figura está en la base de la concepción del artista como un ser
excepcional, que rebasa ampliamente las convenciones ordinarias.
Durante los cerca de
setenta años que duró su carrera, Miguel Ángel cultivó por igual la pintura, la
escultura y la arquitectura, con resultados extraordinarios en cada una de
estas facetas artísticas. Sus coetáneos veían en las realizaciones de Miguel
Ángel una cualidad, denominada terribilità, a la que puede atribuirse la
grandeza de su genio; dicho término se refiere a aspectos como el vigor físico,
la intensidad emocional y el entusiasmo creativo, verdaderas constantes en las
obras de este creador que les confieren su grandeza y su personalidad
inimitables.
La vida de Miguel Ángel
transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus obras
maestras. Aprendió pintura en el taller de Ghirlandaio y escultura en el jardín
de los Médicis, que habían reunido una excepcional colección de estatuas
antiguas. Dio sus primeros pasos haciendo copias de frescos de Giotto o de
Masaccio que le sirvieron para definir su estilo.
Julio II le pidió
también que decorase el techo de la Capilla Sixtina, encargo que Miguel Ángel
se resistió a aceptar, puesto que se consideraba ante todo un escultor, pero
que se convirtió finalmente en su creación más sublime. Alrededor de las
escenas centrales, que representan episodios del Génesis, se despliega un
conjunto de profetas, sibilas y jóvenes desnudos, en un todo unitario dominado
por dos cualidades esenciales: belleza física y energía dinámica.
La
creación de Adán es un fresco en el techo de la Capilla
Sixtina, del año 1511. Ilustra el episodio
bíblico del Génesis en el cual Dios le da vida a Adán, el primer hombre (según
la tradición bíblica). Cronológicamente es el cuarto de los paneles que
representan episodios del Génesis en el techo de la capilla, fue de los últimos
en ser completados y es una de las obras de arte más apreciadas y reconocidas
en el mundo.
Tiziano
Vecellio
(Pieve di Cadore,
actual Italia, h. 1490-Venecia, 1576) Pintor italiano. Aunque Tiziano alimentó
durante los últimos años de su vida la idea de que había nacido en 1475, para
hacer creer que era un anciano venerable e inspirar respeto y compasión, la
crítica moderna ha establecido casi con total seguridad que nació en 1490 y que
murió a una edad más que respetable, con ochenta y seis años. Recibió su
primera formación en el taller de Giovanni Bellini, del que salió a los
dieciocho años para integrarse en la escuela de Giorgione.
La concepción poética
de la pintura de éste dejó una profunda huella en Tiziano, como resulta
evidente en todas sus obras de juventud, y muy especialmente en la enigmática
alegoría Amor sagrado y amor profano, lienzo con el que se consagra ya como un
maestro del desnudo femenino, además de manifestar un talento natural en la
plasmación del paisaje. Con anterioridad había colaborado con Giorgione en la
realización de los frescos de la fachada del Fondaco dei Tedeschi y había
realizado en Padua los Milagros de san Antonio para la Scuola del Santo. No
tardó en convertirse en el artista más importante de Venecia y fue nombrado, en
consecuencia, pintor oficial de la República.
Hacia 1530, perdió a su
esposa, y seguramente como consecuencia del impacto emocional que ello le
causó, su estilo pictórico evolucionó hacia composiciones menos dinámicas, más
pausadas, y hacia colores mucho más claros y complementarios en lugar de
contrastados. Por entonces, la fama del pintor llegaba a todas las cortes
europeas, lo que le permitió recibir encargos de Carlos I de España y Francisco
I de Francia, monarcas a los que retrató en obras magistrales. Después del
primer retrato de Carlos I, el emperador quedó tan entusiasmado con el arte de
Tiziano que lo nombró pintor de la corte. También los príncipes italianos
solicitaron sus servicios, y así para el duque de Urbino pintó la famosa Venus
de Urbino, de una sensualidad nueva en el arte del Renacimiento.
Venus
de Urbino, también llamada Venus del perrito
La pintura, cuyo
comitente fue Guidobaldo II della Rovere, entonces hijo del duque de Urbino,
representa a una joven desnuda semitendida sobre un lujoso lecho en el interior
de un palacete veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por donde
entran leves reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un árbol; al lado
de la ventana se encuentran dos criadas casi enigmáticamente de espaldas
acomodando ropas en un cassone o arcón de bodas; el arcón parece evocar el mito
de la caja de Pandora. A los pies de la joven desnuda duerme un perrito; la
presencia del perro es signo de que la representada no es una diosa, sino una
mujer real, aunque no se sabe exactamente quién es. Algo más: el perro, típica
alegoría de la fidelidad, aquí aparece, sugerentemente, dormido.
Aunque esta pintura se
encuentra directamente inspirada por la Venus dormida del Giorgione, es
evidente que se aleja del idealismo característico del Renacimiento italiano.
La mayor diferencia con las Venus típicas es que la joven aparece obviamente
consciente y orgullosa de su belleza y su desnudez; no existe ningún elemento
que provoque la sensación de un distanciamiento "divino": ella mira
de un modo dulce, cómplice y decidido al que la observa, mientras su mano
izquierda se apoya sobre el pubis, que se ubica en el centro de la composición.
Las flores en la mano derecha resaltan el aura de erotismo ya reforzada por la
luz casi dorada que ilumina al cuerpo.
